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Ryan Smith è un musicista talentuoso e instancabile delle Twin Cities: chitarrista solista dei Soul Asylum, co-frontman dei The Melismatics e molto altro. Leggi l’intervista fatta dai nostri corrispondenti americani di WeHeartMusic, in cui approfondisce i suoi numerosi e diversi progetti.
Il chitarrista Ryan Smith è una presenza fissa della scena musicale di Minneapolis. È autore, chitarrista e produttore. Anche se il nome potrebbe non suonare immediatamente familiare, chiunque conosca un minimo la scena locale probabilmente dirà: “ah sì, lui”, quando si rende conto dell’enorme quantità di progetti a cui è legato. È il principale autore dei The Melismatics, attivi da oltre venticinque anni e che abbiamo visto di recente aprire per The Ike Reilly Assassination. È forse ancora più noto per il suo ruolo di chitarrista solista nei Soul Asylum, che ricopre da circa un decennio, e che abbiamo visto l’ultima volta al First Avenue nel dicembre 2024. Più recentemente, nel 2025, è entrato a far parte del gruppo punk rock Ultrabomb, band fondata dall’ex Hüsker Dü Greg Norton.
Caro lettore, non ho ancora finito. Smith è anche il chitarrista solista di Mary Strand and the Garage, che abbiamo appena visto aprire per Rhett Miller al Turf Club. Ha prodotto l’album di debutto 2025 degli Stone Arch Rivals, “That’s What They Say”. E, oltre a tutto questo, si esibisce spesso dal vivo o partecipa come musicista ospite a registrazioni di numerose altre band. Con un percorso così ricco, Smith ha ovviamente una prospettiva ampia e piuttosto unica sulla musica del Minnesota. Con questo in mente, gli ho inviato le seguenti domande e lo ringrazio per il tempo dedicato e per le risposte attente e approfondite.
Fai parte dei Soul Asylum e, molto recentemente, degli Ultrabomb. Come sono nate queste opportunità? È un processo graduale o qualcosa di più simile a un’audizione rapida?
Entrambe le opportunità si sono concretizzate molto velocemente. Con i Soul Asylum è stato quasi un vortice, e in modo piuttosto misterioso. Un giorno Michael Bland mi ha chiamato dal nulla e mi ha chiesto in modo criptico se fossi interessato a entrare nella band. Mi ha detto: “Ehi, riusciresti a imparare una ventina di canzoni in un paio di giorni?”. Alla fine non è successo subito, ma circa sei mesi dopo si è ripresentata la stessa situazione. Avevano bisogno di qualcuno all’ultimo momento e io avevo più o meno una settimana per imparare l’intero set. Abbiamo provato un paio di volte e, prima che me ne rendessi conto, mi chiedevano se fossi disponibile ad andare a Philadelphia e Dallas per alcuni concerti. Da lì è arrivato l’invito per il tour e l’ingresso ufficiale nella band. È successo tutto molto in fretta e senza troppe spiegazioni. Non ho fatto domande: sapevo solo che era una cosa che dovevo fare.
Con gli Ultrabomb è stato simile, sempre a ritmi serrati. I Melismatics avevano un concerto con loro e il cantante aveva appena lasciato la band. Greg Norton mi ha contattato chiedendomi se potessi intervenire per salvare lo show ed evitare la cancellazione. Avevo solo un paio di settimane per imparare i pezzi mentre ero in tour in Europa con i Soul Asylum, praticamente ascoltandoli in cuffia sugli AirPods, senza nemmeno avere una chitarra in mano. Al mio rientro abbiamo fatto un paio di prove rapide, il concerto è andato alla grande e quella stessa sera mi hanno chiesto di unirmi alla band. In entrambi i casi, quindi, è stato davvero un processo veloce, da tuffo a testa bassa.
Da allora ho fatto un paio di tour con gli Ultrabomb e abbiamo appena registrato un nuovo album di 11 brani ai Creation Audio con il produttore John Fields, che uscirà all’inizio del 2026 per DC Jam Records. Quella è la vera prova e la parte più entusiasmante dell’entrare in una band: imparare a creare nuova musica insieme e definire una nuova identità comune.
I Soul Asylum hanno pubblicato nel 2024 un nuovo album, “Slowly But Shirley”. Pirner è l’autore dei brani, ma com’è stato il processo creativo dal punto di vista musicale? Aveva una visione molto forte o c’era spazio per una collaborazione più ampia?
Assolutamente sì. Dave è onestamente uno dei miei songwriter preferiti di sempre, ed è un vero onore lavorare con lui. Aveva sicuramente una visione molto chiara per Slowly But Shirley, ma allo stesso tempo è bravissimo nel lasciare spazio a ciascuno per portare la propria personalità nella musica. Alcuni brani erano già molto definiti e demoizzati fin dall’inizio, mentre in altri casi mi lasciava esplorare i suoi vocal memo e assemblare le idee. Di solito il processo prevede che io e Dave ci incontriamo regolarmente per mesi nel suo home studio per sviluppare i vari concept, poi portiamo i brani alla band e li rifiniamo durante le prove. Alla fine siamo entrati in pre-produzione con Steve Jordan, e quello spirito collaborativo è stato una parte fondamentale del processo creativo. Dave sa davvero come tirare fuori il meglio da tutti, e ho un enorme rispetto per questo approccio.
I Melismatics esistono da oltre venticinque anni e, pur non essendo in tour costante, continuano a suonare con una certa regolarità nelle Twin Cities. Cosa mantiene vivo il vostro interesse nel continuare a esibirvi?
Abbiamo pubblicato il nostro primo disco nel 2001 e per molti anni facevamo circa 150 concerti all’anno. Abbiamo passato così tanto tempo in tour insieme che la band è diventata più una famiglia che altro. Ora che siamo tornati a suonare soprattutto a livello locale o regionale, come il concerto in Illinois di un paio di mesi fa, è proprio quel senso di complicità che ci spinge ad andare avanti.
Stiamo anche parlando di realizzare un nuovo album, e questo potrebbe significare tornare a fare un po’ di tour. Onestamente, ciò che tiene viva la scintilla è il fatto che siamo grandi amici e che suonare questa musica continua a farci stare bene. I brani hanno retto alla prova del tempo e c’è sempre la voglia di andare avanti ed evolvere. Se la musica non fosse più stimolante, non sarebbe così motivante. Invece, è come passare del tempo con la famiglia e divertirsi.
Aggiungerei che i Melismatics funzionano molto per fasi. Siamo passati da periodi di tour intensissimi ad altri in cui non suonavamo affatto, e ora siamo in una fase di concerti occasionali. È difficile dire cosa ci riservi il futuro. Per quel che ne so, potremmo anche tornare a pieno regime a un certo punto. È un viaggio continuo, con altri alti e bassi sicuramente davanti a noi.
Sei molto attivo come musicista di supporto, suonando regolarmente con Mary Strand o partecipando a progetti estemporanei come Willie Wisely & His Belle Bottoms. Cosa cerchi in questo tipo di esperienze?
Ogni progetto di questo tipo ha quasi sempre una motivazione precisa. Non è mai una cosa casuale, fatta solo per il gusto di suonare, anche se ovviamente suonare mi piace moltissimo.
Nel caso di Mary Strand, ad esempio, all’inizio era una mia allieva: lavoravamo sulla scrittura e sulla chitarra. L’ho aiutata a registrare le sue canzoni e da lì siamo arrivati a realizzare un album completo. Ha autopubblicato il suo primo disco, Golden Girl, poi abbiamo lavorato insieme al secondo, I Don’t Need Your Permission. La musica era davvero forte e spingeva in nuove direzioni, così è finita sulla mia etichetta, Hygh Tension Records (Virgin Music Group). Suonare nella sua band è quindi una naturale estensione del lavoro di produzione e del supporto alla sua carriera. Ah, giusto, un’altra cosa che non avevo ancora menzionato: gestisco anche un’etichetta discografica!
Con Willie Wisely & His Belle Bottoms è una storia simile. Sono alcuni dei miei musicisti e delle mie persone preferite: Peter Anderson alla batteria, con cui ho suonato innumerevoli volte, e la leggenda John Fields al basso, con cui ho collaborato in tantissimi progetti. E ovviamente sono fan di Willie fin dagli anni ’90. Non si tratta solo del concerto, ma di suonare con persone che amo e rispetto.
In generale, accetto questi ruoli di supporto quando c’è un legame personale o un rapporto significativo. Sono piuttosto impegnato, quindi scelgo questi progetti solo quando sento che c’è qualcosa di più profondo.
Hai anche esperienza come produttore, ad esempio con il disco di debutto degli Stone Arch Rivals uscito quest’anno. Come sei arrivato alla produzione e ci sono state difficoltà inattese nel passare dal creare al produrre?
Per me la produzione è semplicemente la sintesi naturale di tutto ciò che ho fatto nella musica: scrittura, arrangiamento, insegnamento, registrazione, performance. Tutti questi istinti entrano in gioco, quindi il passaggio alla produzione è stato molto naturale. Un po’ come succede con i progetti in cui suono come backing musician: di solito c’è sempre un legame significativo. Con i Loki’s Folly, per esempio, inizialmente insegnavo loro musica, poi li ho seguiti come band, e da lì si è arrivati a produrre i loro dischi e a gestirli.
Quando produco, il mio obiettivo è usare tutto ciò che so per aiutare gli artisti a realizzare il miglior disco possibile. Si tratta di capire quali sono i loro punti di forza e come valorizzarli. Ogni artista è diverso, quindi il processo cambia di volta in volta, ma l’idea centrale è sempre guidarli verso un disco che li rappresenti davvero al meglio.
Tra pandemia e rapidi cambiamenti tecnologici, è cambiato il tuo modo di collaborare con altri artisti o il tuo processo creativo?
Onestamente non so se la pandemia abbia cambiato in modo fondamentale il mio processo creativo, anche se ha costretto me e tutti gli altri a restare a casa. In quel periodo ho iniziato a registrare un album solista che uscirà nel 2026. È stato un po’ diverso dal solito perché ho preso quelli che normalmente sarebbero stati dei demo, in cui suono tutti gli strumenti, e li ho trasformati direttamente nelle registrazioni finali. Questa è stata una novità. Mi ha anche fatto capire quanto sia facile collaborare con chiunque, ovunque, grazie alla tecnologia. Ha reso tutto più efficiente e ha aperto la porta a collaborazioni globali.
Quello che incide davvero sul mio processo, però, sono soprattutto le persone con cui lavoro e i dischi che sto realizzando. Lavorare su Slowly But Shirley con Steve Jordan, ad esempio, aveva un’energia completamente diversa. Lui puntava tutto sul suonare insieme nella stessa stanza, senza click track, senza correggere le piccole imperfezioni ritmiche. Era molto focalizzato sull’energia e sul feeling dei musicisti, ed è stato estremamente stimolante.
Al contrario, lavorare con qualcuno come John Fields significa prendere decisioni fulminee e spingersi verso soluzioni più visionarie, cosa che amo altrettanto.
Alla fine, mi annoierei se il processo fosse sempre lo stesso. È importante avere dei metodi, ma anche saperli rompere, uscire dalla propria zona di comfort e continuare a mettersi alla prova.
Il presente articolo è stato pubblicato originariamente su WeHeartMusic: le ragioni della collaborazione tra Kalporz e WeHeartMusic le puoi leggere qui.